Cimabue, « Maestà »

Cenni di Pepo, dit Cimabue (Florence [1]Cimabue est connu à Rome, Pise, Assise et Florence de 1272 à 1302, v. 1240 – Pise, 1302)

La Vierge Marie et l’Enfant-Jésus en majesté entourés de six anges, dite la Maestà, vers 1280.

Tempéra et or sur panneau, 424 x 276 cm.

Provenance : Pise, église de San Francesco ; Pise, Camposanto, jusqu’en 1812 ; Paris, musée du Louvre, depuis 1812.

Paris, musée du Louvre, Département des Peintures. Inv. 254.

Cimabue

Dans le panneau conservé au Louvre, Marie est assise sur le trône avec l’enfant dans les bras, entourée d’une foule d’anges, mais Cimabue rend la scène beaucoup plus réelle que ce qui avait été réalisé jusqu’alors : le siège sur lequel repose la femme est placé de trois quarts, à la recherche d’un effet de profondeur basé sur une perspective encore intuitive, mais capable de rendre l’espace du tableau habitable. La représentation de la Vierge et de l’Enfant, qui semblent vivre sur un plan superposé à celui du trône, s’éloigne de plus en plus de la pose hiératique byzantine et médiévale et, sous les robes, on commence à percevoir les volumétries du corps, sans toutefois l’abandonner complètement. Les anges, coiffés à l’orientale, sont toujours disposés dans une perspective hiérarchique, et sont placés autour du trône dans une recherche de rythme et de symétrie plutôt que dans une volonté illusionniste de restitution de l’espace. Les traits des visages évoluent vers une première recherche de naturalisme et de clair-obscur, commençant à mettre de côté le goût du trait calligraphique. Cimabue crée ainsi une œuvre dans laquelle la théophanie est crédible et vraie, et non pas une icône, posant en fait un renouvellement fondamental de la culture figurative traditionnelle de la Vierge à l’Enfant. Cinq ans plus tard, Duccio di Buoninsegna suivra l’exemple de Cimabue dans la Madone Rucellai en y ajoutant une certaine recherche de traduction des affects.